Pop art, mint egy tömeges művészeti
Pop art, mint egy tömeges művészeti
Pop Art (angol pop-art, honnan ropular art -. Nyilvánosan hozzáférhető „népművészeti) - az az irány, művészet kultúra Nyugat-Európában és az USA-ban, amelyet az jellemez, felhasználásának és újraértelmezése képek tömegkultúra megjelent a 50-es években az Egyesült Királyságban és az Egyesült Államokban és öltött testet. először a festészet és szobrászat. a esztétikáját pop art célozta aestheticization külső objektív világ, a jóváhagyást a kultusz dolgokat, és megfelelnek-e „a vágy, az objektivitás”, amely után keletkezett hosszú uralkodása absztrakt művészet.
Általában doslidniki1 vélik, hogy a részecske „pop” első használtunk szlengszót művészek körökben közel a beatniks, és jelentett valamit, amelynek célja a széles ízelítőt a nagyközönség számára. De a második felében a 50-es évek elkezdi használni a „pop art”, mint a meghatározása az új jelenség a művészi kultúra. 1957-ben, Mr. z. Hamilton ad neki az egyik első definíciókat. Azt állítja, hogy ez a művészet „népszerű, tervezett tömeges közönség, efemer, változékony, művészeti, könnyen alkalmazható, és ugyanolyan könnyű elfelejteni a szakterületen az olcsó, fiatal, szellemes, szexi, trükk”, és végül, ami „szaga nagy üzlet ”.
Ő fénykorát pop art elérte az 60 év. Sokan nézett rá, mint az ellentéte absztrakt művészet, sok kritika tekinthető pop art „nem művészet”. Ez volt az igazság -, mert a pop art, és arra törekedett, hogy ne legyen állása a hagyományos értelemben. Ő keresett egyensúlyt a művészet és az élet, vagy inkább azt próbálta ötvözni a művészet és az élet. Claus Oldenburg azt mondta, hogy a pop art - olyan művészet, nem tudja, hogy ez egy művészet. Pop art jellemezte felhívások „bővül a helyzet art”, hogy bővítse a művészet fogalmát. Minden lehet tekinteni, mint a művészet, csak annyi, hogy hívja egy bizonyos tény vagy tárgy „art”. A „art” is megjelenhet bármilyen témában, és határozza meg, mint egy tárgy.
A végén, a pop art joga van, ha abból indulunk ki, a tényleges „mesterséges” az emberi kultúra képest a természettel. Nem véletlen, hogy az egyik teoretikusa pop art kínálta a minden emberi társadalom egy bizonyos idő átlépését egy műalkotás.
Pop art könnyen hajlik arra, hogy paródia, az irónia. A művész gyakran kínálnak a közönség egyfajta játék, „a megállapodás”. A művész adta a közönség érti, hogy a jelenléte gyanúsított férfi, ami csökkentette a napi rutin, valami nevetni. De ahogy a dolgok és a pop art képeket nem személyre szabott, anonim, a néző pedig úgy tett, mintha gúnyosan nem belőle, és ezzel együtt;
Az ikonográfia a pop-art-specifikus, ez magában foglalja portréi karakter pop énekes Elvis Presley, elnök Dzhona Kennedi, színésznő Meryl más Monroe és sok más helyen a XX században kulturális személyiségek. „Utánzat” festőművész Leonardo da Vinci, Delacroix, Monet, Renoir, Picasso, természetes együttesek bútor, dekoráció fürdőszobák, írógépek, borítékok, borító, elektromos berendezések, izzók, kapcsolók, lobby, irodák, mozi terem, festő dolgokat, betűk és szavak (az úgynevezett „letrizm„), kannák, palackok, cipő és ruházat, felszerelés bárok, kórházak, üzletek, élelmiszerek és alkoholmentes italok, a cigaretta és a cigaretta csikk, a közlekedési eszközök - autók, hajók, repülőgépek. Összesen nem is szerepel. Kifejezett művészek, néha „összpontosul egy helyen időrendben és topográfiailag véletlen”. Így a termék válhat akár egy utca a városban, ha az (együtt autók és gyalogosok) tekinthető olyan műtárgy és jelenti be.
Művészek pop art szeretné használni a vételi alapított Dada: tárgyakat helyezünk egy váratlan és nem megfelelő helyükre, a környezet és a hasonlók. A téma ebben az esetben el van szigetelve a szokásos összefüggésben tart a karakter-szimbólum jellegű kapcsolódó városi környezet, a legkorszerűbb technológiával, a valóság a modern élet. És persze, kap egy váratlan szentségét.
Media, a szabványosítás a fogyasztási cikkek, a technológia - ez az igazi élet alapja a pop art. Nagyobb rugalmasságot tanúsítva és mobilitás megértése, hogy mi lehet művészet, „bővül a művészeti világban, a” Pop művészek elpusztítsa a hierarchia képek és tárgyak, anyagok és formák. Ebben a rendszerben az értékek azonos szinten lehet Leonardo da Vinci és Mikki Maus, a művészet és a technológia, a művészet és a szemetet, a giccs és a humor.
Hagyományos Festés nyilvánították „közhely”. Sok a Pop Art művészek általában hangsúlyozottan nem volt hajlandó „feltételesen” festés és rajzolás a gépen jön valós térben. De néha a festés technikák maradnak néhány kisebb ecsetvonások a festék, sőt témákban - például néhány „összeállítás” Rauschenberg és a „tárgyak” Oldenburg. Oldenburg például helyezi a vasalódeszka egy inget és egy vas rajta, fogas, amelyen lóg egy kabát, cipő és szimbolikus színek csillogó akril részét „mutat”. Vasselman, ami körülveszi a festett kép egy meztelen nő a fürdőszobában igazi ajtó, amelyen lóg egy törülközőt, reprodukció Renoir. Gépesítése a kreatív folyamat vezet az a tény, hogy a vezetők a pop art, például R. B. Rauschenberg vagy Warhol, nem működik magát, de a csapatok a asszisztensek - a forgalmazók a terveiket. Ezek szerint V. Turchin, felhagyott a hagyományos paletta és ecset, de felvette a sprinkler és autogén gépen. Rauschenbach őszintén sokkoló a közvélemény, azt állítva, hogy a pár férfi zokni nem kevésbé alkalmas a munkára, mint az olaj és vászon. Angol Devid Hokni állította, hogy a szakterületen mentes kapcsolódási alkotnak, és ez - az „ő adu.” Nem véletlen Bndi Warhol hívta workshop „Factory” (valójában ez volt található egy régi gyárépületben). Roy Lichtenstein dolgozott a foltok a nyomtatott képernyőt, figyelembe véve a lehetőségeket eredményeként Action Comics „gép rajzol.” Warhol, akik felfedezték a szitanyomat technikát, ismételt mechanikusan külön képet (például, Presley vagy Monroe) a színes negatív cserélhető szűrők, úgy, hogy ugyanazt a képet változtatjuk kék, sárga, piros, és más színű. Sorozat és a változások jellemzőek az Vassel Mans. Így ismert „amerikai meztelen” számozott 100 művet (számozott).
Jellemző a Pop Art és részesült utánzása különböző anyagok. Alkotó óriás szendvics három méter magas szobor a cső formájú rúzs, egy példányt a palackok, izzók. Dummies „főzés” Oldenburg készült gipszkarton borítja akril. John kiállított „bronzszínű”, ami egy öntött a hagyományos sörök szobor anyaga. Dzhordzh Sigal mutatta gipszkötés modellek helyezve a valós térben: az ál-hús üzletek, mozi box office, a fürdőszobában. Néhány Figuráinak tudott még ülni egy asztalnál.
Andy (Andrew) Warhol (Warhol) (1928-1987) a hagyományos értelemben vett vezető művész (vagy előadó-alapító) a pop art. Jött egy család első generációs bevándorlók, Kárpát-ruszin ukrán Andrej és Julija Vayholiv. Bár Endryu Uorhol született sok év után költöztek szüleivel az amerikai város Pittsburgh (Pennsylvania), de a fiú megkeresztelkedett ott az ukrán görög katolikus egyház. Gyerekkoromban én fájdalmas volt, és így sok időt töltött egyedül. Édesanyja, Julia Vayhola nő ügyesen tehetséges, képesek felismerni a tehetség már az ő fiát, és határozottan arra ösztönözte, hogy a kreativitás.
Warhol tanult művészeti a Pittsburgh Carnegie Institute of Technology. Miután érettségi 1949-ben New Yorkba költözött. Úgy működik, mint egy illusztrátor kiadásaiban „Glamour”, „Harper Bazaar” és egyéb divatlapok. Így kezdődik egy ragyogó karrier a művész. Ő teremtett egy modellt a cipő „1 Miller” nem csak egy érzés, hanem nyújtott anyagi jólét, és hamarosan képes volt vásárolni az első haza New York-ban. Andy anyja költözött, és még dolgoztak vele. Hosszú ideig ez volt az egyik segédje közel Vito dzhiallo revolver és Gluck.
Csinálok egy nevet magának New York, Warhol és tanult, ugyanakkor a kulturális élet a városi metropolisz. Ő vezette a gazdag és aktív életmód, látogasson el a könyvtár, a balett és opera előadások, galériák, múzeumok, és ez az élmény később alakították át a munkáját.
1956-ban, Endi Uorhol először elhagyta az Egyesült Államokat, majd a sok utazás, a világ minden tájáról. Ő járt Japánban, Kambodzsa, India, Egyiptom és Olaszország. A végén, a művész arra a következtetésre jutott, hogy a művészi ambíciókkal túlmutatnak a kereskedelmi szakmában. Ez az első alkalom sok év után a képzés, Warhol visszatért táblakép, barátkoznak a művészi környezetben Manhattan, érdekelt avantgárd formákat új magamnak művészeteket, különösen a tánc, színházi előadások és film.
1963-ban, Endi Uorhol költözött stúdió egy új épület - az egykori gyár. Billy Name, fotós és művész, aki együtt dolgozott Warhol a 60-as, festett épület fémes ezüst színű. Itt Warhol volt lehetősége dolgozni nagyméretű vásznak. Gerard Malang és egyéb asszisztensek, hogy segítsen neki a munkájában a szobrászati és filmes munkák. Valamennyi fő avantgárd művészek, akik érkezett New Yorkba, a 60-as, megpróbálta felkeresni a „gyári” Endi Uorhola. a hangulat az engedékenység, mozgékonyság és kreativitás gyökeresen megváltoztatta az ötlet a művész műtermébe, mint egy csendes tetőtérben létre egyfajta állandó karnevál, mindenki számára nyitott, tele végtelen kísérletezés és drámai eseményeket. szabadságát inspirált egy egész generáció művészek.
Amikor magához tért, Endi Uorhol bizonyos ideig foglalkozik szinte kizárólag kiadás a magazin „interjú”, amit 1969-ben. Ezért kellett vezetni egy nyilvános, világi életmódot. Ez a magazin, amely első volt az úgynevezett „interjú”: havi híradó”tartalmazott filmfesztiválok és interjúk filmsztárok és rendezők. Warhol óta Fiatal korában nagyon szerette a híradók és bulvár kiadványok, és ez az új szenvedély neki természetes volt. Sokan úgy tartják, hogy saját havi felülvizsgálatát népszerű tömegkultúra események, például egy film, nyugtatta a megszállottság Hollywood és a hírnevet. portréfotótól filmsztárok és szalagcímeket Warhol folytatta leírni életének hírességek újságírás.
Miután a merénylet Warhol első benyomás az, hogy eltávolodik a festészet és a film, majd aktív társadalmi élet és szentelje magát a kedvenc kiadvány. Ezek az előrejelzések azonban Warhol elpusztult, és 70-es években létrehozott néhány a legjobb és leghíresebb festményei. Ugyanakkor, ő továbbra is festeni, és a hagyományos portrékat rendelni.
Talán nincs művész nem sorolhatók a tömeges populáris kultúra olyan mértékben, mint Endi Uorhola. Ő egy egyedülálló kreatív szélesség művész - nem csak a művész, hanem egy vállalkozó zene rock zenekar „Velvet Underground” és szólista Nico, operatőr, amely körül szupersztárok - Ultra Violet, Teylor Mid, Viva és Dzho Dallesandro kiadója, számos újság.
Festmények a halálesetek és balesetek közül a legerősebb és lenyűgöző megjeleníti az állandó kombináció a félelem és csodálat, hogy úgy érezte Warhol halála és sérülése. Ezek a motívumok végigmenni minden munkáját, és vannak még a portrékat munkáját.
Tíz év alatt (1963-1972) Endi Uorhol dolgozott operatőrként. Ez idő alatt vette száz filmanyagok, és létrehozott több mint 60 film, amelyet ezt követően 1972-ben, hogy távolítsa el közszemlére. Egyesek azt állítják, hogy e rövid idő alatt, mindörökre megváltoztatta az ötlet mozi művészet.
A csúcs a korai minimalista film működik Warhol volt a film „birodalom”. Ez Warhol álló kamera, csak újratölteni a film 08:00 .znimav Empire State Building. A filmtörténetben nem ismert kísérlet, hogy ily módon a valós idejű, és így jelentősen meghosszabbítja a kép mélyebb megértését a valóság. A sok filmjei Warhol, ott vannak a szokásos narratív történeteket, és ez egy portré stúdió látogatók - „gyári”.
1972-ben, amikor az amerikai elnök Richarda Niksona kínai látogatása felkeltette világ figyelmét, Warhol testesíti meg a képet a kínai vezér Mao Ce-tung monumentális festmények, metszetek, rajzok.
Az elején a 1980-as jelölve Endi Uorhola összekapcsolt munkák sorozata, melyben használt képek pisztolyok, kések, keresztek és a dollár jeleket. Ez a sorozat, amely a kis és nagy méretű festmény túlmutatnak a művészeti kutatás népszerű képekkel, figyelem őket szimbólumok tárgyak és karakterek. A sorozat „Guns” és a „kések” Warhol folytatta a hagyományt a meglehetősen merész csendéletek, mint például a „Skull” és a „sarló-kalapács” (70 éves). Series „keresztek” és a „dollár jeleket” -okat absztrakt képi jellemző a művész egész 1980-as években. Mennyivel több Warhol munkái, ezek a festmények megtévesztően egyszerű, sőt provokatív formában. Úgy véljük, hogy az erőteljes képekkel kelti őrület és nem a spiritualitás rejlő bizonyos szempontból a modern nyugati kultúra.